Picasso Kubismus

Wie kam Picasso zum Kubismus?

Die Geschichte des Picasso Kubismus begann 1906, als Picassos Gemälde immer skulpturaler und monumentaler wurden. Das “Porträt von Gertrude Stein” stellt den Künstler bereits auf eine harte Probe! Um den von ihm angestrebten Grad der Abstraktion in ihrem Gesicht zu erreichen, musste Picasso es mehrmals übermalen. Es scheint, dass er mit dem Ergebnis nie ganz zufrieden war. Aber offensichtlich stellen die großen, ausdruckslosen Augen, die breite, klare Stirn und das ovale Gesicht eine stilisierte Vereinfachung der iberischen Skulptur dar, die zu dieser Zeit in Paris großen Anklang fand.

Im Frühjahr 1906 wurden die iberischen Reliefs von Osuna unter großem Beifall der Öffentlichkeit im Louvre gezeigt. Picasso war von diesen Stücken fasziniert und nutzte sie als Leitfaden für die Neuausrichtung seiner Arbeit, die damals in der Freundlichkeit der rosa Periode feststeckte.

Lassen Sie uns in diesem Beitrag detailliert auf den Kubismus Picasso, die Merkmale der Kubismus Kunst von Picasso und die Entstehung eingehen. Bevor wir Sie mit uns in die Welt des brillanten Picasso eintauchen, schauen Sie sich auch das herausragende kubistische Schaffen anderer Künstler an.

*Leider sind die Werke Picassos sehr streng reguliert. Deshalb können wir Ihnen nur wenige seiner Werke in diesen Beitrag einbinden.

Kubistische Bilder – Ausgewählte Werke anderer Künstler

Quelle wikiart

Kubismus Kunst

Um zu verstehen, wie revolutionär der Kubismus war, müssen wir seinen Kontext nachvollziehen. Die künstlerischen Veränderungen, die der Fauvismus mit sich brachte, waren zwar bedeutsam, änderten aber nichts an der traditionellen Vorstellung von Malerei. Die Objekte wurden von einem einzigen, festgelegten Standpunkt aus betrachtet. Und trotz der Willkürlichkeit der Farbgebung war die Identität zwischen dem gemalten Bild und dem, was die Kamera bieten würde, wenn sie mit demselben Motiv konfrontiert würde, offensichtlich.

Der Kubismus jedoch würde diese Konzeption systematisch angreifen!

Am Anfang wurde dieser große Wandel nur von zwei Künstlern vollzogen – Braque und Picasso. Freunde, die eine Zeit lang so eng zusammenarbeiteten, dass es schwierig war, ihre Arbeiten nicht zu verwechseln, vor allem während der kurzen Zeit, in der sie die neue Sprache entwickelten.

Keine Zeit, den kompletten Text zu lesen? Schauen Sie sich einfach nachfolgend das Wichtigste über Picasso Kubismus im Überblick an.

Kubismus Picasso – Das Wichtigste auf einen Blick

	Analytischer Kubismus	Synthetischer Kubismus	Orphischer Kubismus
Zeitraum	1907 bis 1912	1912 bis 1914	um 1912
Zentrales Ziel	Abstraktion, Zerlegung von Formen und Farben.	Synthese, Verbindung von verschiedenen Materialien und Perspektiven.	Schaffung einer visuellen Musikalität durch die Kombination von Farbe und Geometrie.
Farbpalette	Reduziert auf Grau, Braun und Schwarz.	Farbenfroh und vielschichtig.	Leuchtende und kontrastierende Farben.
Techniken	Zerlegung von Formen und Farben, Darstellung von mehreren Perspektiven gleichzeitig.	Kombination von Farben und Texturen, Integration von Collage-Elementen.	Einsatz von Farbe und Geometrie, um Bewegung und Rhythmus in der Kunst zu schaffen.
Bekannte Werke	„Girl with a Mandolin“ (1910), „Portrait of Ambroise Vollard“ (1910), „Ma Jolie“ (1911 bis 1912)	„Still Life with Chair Caning“ (1912), „Guitar“ (1912), „Violin“ (1912)	„Mandolin and Clarinet“ (1913), „Woman with a Guitar“ (1913)
Einfluss auf die Kunstgeschichte	Veränderte das Verständnis von Kunst, beeinflusste die Entwicklungen des Surrealismus und der Abstraktion in der Kunst.	Hatte einen großen Einfluss auf die moderne Kunst, beeinflusste die Entwicklungen des Surrealismus, der Abstraktion und des Konstruktivismus in der Kunst.	Inspirierte die Entwicklungen des Fauvismus und der abstrakten Kunst.

Wie kam Pablo Picasso zum Kubismus?

Picasso kam zum Kubismus durch eine Reihe von künstlerischen Entwicklungen und Einflüssen. Einige der wichtigsten Faktoren, die zu seiner Entwicklung des Kubismus beitrugen, sind:

• Einflüsse aus der afrikanischen Kunst: Picasso zeigte großes Interesse an afrikanischer Kunst und Skulptur. Dies führte dazu, dass er in seinen Werken kubistische Formen und die Abstraktion von Figuren und Objekten erforschte.
• Georges Braque: Picasso und der französische Maler Georges Braque arbeiteten eng zusammen und beeinflussten einander. Gemeinsam entwickelten sie den kubistischen Stil und seine verschiedenen Facetten wie analytischer Kubismus und synthetischer Kubismus.
• Der Einfluss von Paul Cézanne: Cézanne, ein Post-Impressionist, betrachtete die Natur in Formen wie Zylinder, Kugeln und Kegel. Seine Ideen beeinflussten Picasso und Braque und trugen zur Entstehung des Kubismus bei.
• Abkehr der Impressionismus Kunst: Picasso wollte sich von der impressionistischen Malerei abwenden, die den Fokus auf Licht und Farbe legte. Er suchte nach einer neuen Art, die Realität darzustellen und die Formen und Strukturen der Objekte hervorzuheben.

Kubismus Braque und Picasso

Diese Einflüsse führten dazu, dass Picasso und Braque den Kubismus entwickelten und sich von der traditionellen Kunst abwandten. Kubismus war eine radikale Neuerung in der Kunstwelt, die den Weg für viele andere moderne Kunstbewegungen ebnete.

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Inhaltsverzeichnis

Pablo Picasso Kubismus
Kubismus Braque und Picasso
Picasso Malstil
Kubismus Picasso Merkmale – Revolutionär. Experimentell. Abstrakt.
Pablo Picasso Kubismus Werke – 13 bedeutende Arbeiten
Picasso Portrait Kubismus
Analytischer Kubismus Picasso
Picasso synthetischer Kubismus
Picasso orphischer Kubismus
Picasso Kubismus Werke
Picasso Kubismus Geige
Picasso Stillleben Kubismus
Picasso Kubismus Collage
Picasso Gesichter Kubismus
Picasso Kubismus Plastik
Zitate Picasso Kubismus
Kubistische Kunst bei ART AFFAIR
Kubismus Pablo Picasso – Das ART AFFAIR Fazit
Kunst-Galerie ART AFFAIR – Picasso Bilder Kubismus wirken lassen!
FAQ – Häufig gestellt Fragen

Pablo Picasso Kubismus

Das Erscheinen von “Les Demoiselles d’Avinon” im Jahr 1907 sollte einen enormen Einfluss auf alle Freunde Pablo Picassos haben. Es scheint, dass das Thema des Werkes als eine Art Hommage an Casagemas entstand, der einige Zeit zuvor aus Liebe Selbstmord begangen hatte.

Picasso und Carlos Casagemas hatten gemeinsam in Paris gelebt und sich regelmäßig in den Cafés und Bars des Bohème-Viertels getroffen. Der Tod seines Freundes war ein schwerer Schock für Picasso und hatte einen starken Einfluss auf seine Arbeit!

Einige vorbereitende Skizzen von Picasso zeigen einen jungen Mann, der einen Totenkopf in der Hand hält und einen Raum mit mehreren nackten Frauen betritt. Es war ein Memento mori – eine Beschwörung des Todes anstelle des Vergnügens.

Aber alle moralisierenden Implikationen verschwanden in dem endgültigen Werk, in dem wir fünf Frauen in anzüglichen Posen finden (sie sollten sich in einem Bordell in der Carrer Avinyó treffen).

Der hypothetische männliche Akteur, der sie beobachtet, ist nun der Betrachter und als Zwischenpunkt zwischen innen und außen befindet sich im untersten Teil des Bildes eine Obstschale.

Das Ganze ist stark geometrisiert, basiert auf Dreiecken mit scharfen Ecken. Und es ist nicht immer einfach, die Grenzen zwischen den Figuren und dem Hintergrund zu bestimmen. Ein gewisser Unterschied im Stil zwischen den zentralen, eher klassischen Frauen und den anderen drei, eher „gewalttätigen“, erinnert an den gemeinsamen Einfluss iberischer Kunst und afrikanischer Masken auf Picasso.

Mit diesem Werk, das sich so weit von der westlichen Tradition entfernt, legte der Künstler den Grundstein für eine neue Art der Malerei! Das Werk unterlag Gesetzen, die nichts mit denen der Renaissance-Perspektive zu tun hatten.

Kubismus Braque und Picasso

Braque war der Erste, der die Konsequenzen daraus zog. Der Sohn eines Malerunternehmers hatte eine solide technische Ausbildung erhalten, bevor er die leuchtenden Farben und dekorativen Absichten der Fauves nachahmte. Er verbrachte den Sommer 1908 in L’Estaque, wo er Landschaften in gedeckten Tönen malte. 

Das Überraschendste war seine Art, die Realität zu stilisieren, ohne auf eine intuitive Synthese zurückzugreifen. Braque reduzierte die Motive auf elementare Geometrien. Diese Werke wurden auf dem Salon d’Automne desselben Jahres ausgestellt.

Der Name „Kubismus“ geht auf den französischen Kunstkritiker Louis Vauxcelles zurück, der den Begriff erstmals im Jahr 1908 verwendete. Vauxcelles beschrieb damit die Werke von Georges Braque, als „kleine Würfel“.

Braques Entwicklung verlief parallel zu der von Picasso, der selbst zwei Jahre lang versuchte, die Folgen von Les Demoiselles zu verarbeiten. 1909 traten beide in die Phase des analytischen Kubismus ein. Ihre Gemälde sind zu dieser Zeit von bescheidener Größe und ihre Farbskala ist reduziert und gedämpft. Die Sujets scheinen unbedeutend und werden immer wieder wiederholt.

Picasso Malstil

Ein bewundernswerter Wirrwarr geometrischer, sich kreuzender Linien zerlegt die Figuren in eine Vielzahl von Bildebenen. Der Hintergrund dringt mit seinen Eckkurven in Teile der Objekte ein und die illusorische Tiefe dieser Gemälde scheint auf die eines imaginären Flachreliefs mit zweideutigen Grenzen beschränkt zu sein.

Braque ging so weit zu sagen, dass dieser Raum das Gefühl erweckt, zum Greifen nah zu sein, als ob er nicht nur den Blick des Betrachters, sondern auch seinen Körper und seinen Geist ansprechen würde.

Picassos Malstil entwickelte sich im Laufe seiner Karriere durch verschiedene Phasen und wurde von einer Vielzahl von Einflüssen geprägt. Vor der Kubismus-Phase durchlief Picasso mehrere andere Stilphasen:

• Frühwerk: In seiner Jugend wurde Picasso klassisch ausgebildet und malte realistische und naturalistische Bilder.
• Blaue Periode (1901 bis 1904): In dieser Phase waren Picassos Werke von einem melancholischen Ton geprägt, und er verwendete überwiegend blaue und blaue-grüne Farben. Die Gemälde dieser Zeit zeigen oft Figuren mit traurigen Gesichtern und schwermütigen Themen.
• Rosa Periode (1904 bis 1906): Während der Rosa Periode begann Picasso, wärmere Farben wie Rosa und Orange zu verwenden. Die Motive seiner Gemälde wurden optimistischer und konzentrierten sich auf Zirkusartisten und Harlekine.

Kubismus Picasso Merkmale – Revolutionär. Experimentell. Abstrakt.

Der Übergang zum Kubismus begann um 1907 und kann anhand mehrerer charakteristischer Merkmale beschrieben werden:

• Geometrische Formen: Im Kubismus zerlegte Picasso Objekte und Figuren in grundlegende geometrische Formen wie Würfel, Zylinder, Kegel und Ebenen.
• Fragmentierung und Multi-Perspektive: Statt Objekte oder Figuren aus einer einzigen Perspektive darzustellen, kombinierte Picasso im Kubismus mehrere Blickwinkel in einem Bild. Diese Technik führte zu einer fragmentierten und komplexen Darstellung von Raum und Form.
• Abstraktion: Im Gegensatz zu seinen früheren Werken, die realistischer waren, tendierte Picasso im Kubismus zur Abstraktion. Er vereinfachte und abstrahierte die Darstellung von Objekten und Figuren, wobei der Fokus auf der Form und Struktur lag.
• Reduzierte Farbpalette: Während der analytischen Phase des Kubismus verwendete Picasso eine begrenzte Farbpalette, die hauptsächlich aus neutralen Tönen wie Grau, Braun und Ocker bestand. Dies half, den Schwerpunkt auf die räumliche Struktur und die Analyse von Formen zu legen.
• Collagen und gemischte Medien: In der synthetischen Phase des Kubismus experimentierte Picasso mit Collagen und dem Einsatz von gemischten Medien. Er kombinierte Malerei mit anderen Materialien wie Zeitungsausschnitten, Tapeten und Stoffen, um neue Texturen und visuelle Effekte zu erzielen.

Picassos Stil entwickelte sich auch nach der Kubismus-Phase weiter und umfasste verschiedene Techniken und Stile, einschließlich Surrealismus und Neoklassizismus. Dennoch bleibt der Kubismus eine der bedeutendsten und einflussreichsten Phasen in Picassos Werk.

Pablo Picasso Kubismus Werke – 13 bedeutende Arbeiten

Picasso hat neben den hier genannten herausragenden Werken in Zusammenarbeit mit anderen Künstlern und in verschiedenen Phasen seiner Karriere verschiedene Varianten des Kubismus entwickelt. 

Lassen Sie uns 13 seiner bekanntesten Arbeiten vorab zusammenfassen. Wir werden die Werke im Verlauf des Beitrags wiederholend nennen, wenn sie in den Kontext passen.

Titel	Beschreibung	Jahr	Charakteristische Merkmale
Les Demoiselles d’Avignon	Ein Gemälde von fünf weiblichen Figuren, das als Vorläufer des Kubismus gilt. Das Werk zeigt fünf nackte Frauen, deren Gesichter und Körper durch kantige geometrische Formen dargestellt werden.	1907	Geometrische Formen, kantige Linien, Bruch mit der Perspektive, starke Abstraktion.
Girl with a Mandolin	Ein kubistisches Porträt einer Frau, die eine Mandoline hält. Das Werk zeigt die Frau in kubistischer Zerlegung und mit reduzierter Farbpalette.	1910	Geometrische Formen, Aufbrechen der Formen und Flächen, Überlagerungen und Durchsichtigkeit, reduzierte Farbpalette.
Portrait of Ambroise Vollard	Ein kubistisches Porträt des französischen Kunsthändlers Ambroise Vollard. Das Werk zeigt Vollard in abstrakter Form und reduzierter Farbpalette.	1910	Abstraktion des Porträtierten, kubistische Formen, reduzierte Farbpalette.
The Reservoir, Horta de Ebro	Eine kubistische Darstellung einer Landschaft in Horta de Ebro, Spanien. Das Werk zeigt eine Landschaft mit kubistischer Zerlegung und reduzierter Farbpalette.	1909	Aufteilung der Fläche in geometrische Formen, reduzierte Farbpalette, Bruch mit der Perspektive.
Ma Jolie	Ein kubistisches Porträt einer Frau, auch bekannt als „Woman with a Zither“ oder „Woman with a Guitar“. Das Werk zeigt eine Frau in kubistischer Zerlegung und reduzierter Farbpalette.	1911 bis 1912	Reduktion der Formen auf kubistische Grundelemente, Verwendung von Schriftzügen im Bild, starke Abstraktion.
The Accordionist	Ein kubistisches Gemälde eines Akkordeonspielers. Das Werk zeigt den Musiker in kubistischer Zerlegung und reduzierter Farbpalette.	1911	Geometrische Formen, Überlagerungen und Durchsichtigkeit, Bruch mit der Perspektive.
Bottle of Pernod and Glass	Ein kubistisches Stillleben, das eine Flasche Pernod und ein Glas zeigt. Das Werk zeigt das Stillleben in kubistischer Zerlegung und mit Collage-Technik.	1912	Kombination von Malerei und Collage-Technik, Verwendung von verschiedenen Materialien, wie z. B. Papier, um das Bild zu strukturieren.
Still Life with Chair Caning	Ein kubistisches Stillleben, das den Einsatz von gemischten Medien und Collage-Techniken zeigt. Das Werk zeigt ein Stillleben mit Stuhlgeflecht und Collage-Technik.	1912	Kombination von Malerei und Collage-Technik, Verwendung von verschiedenen Materialien, wie z. B. ein Stuhlgeflecht, um das.
The Portuguese (Guitar Player)	Ein kubistisches Porträt eines Mannes mit Gitarre, das als Meisterwerk des Analytischen Kubismus gilt. Das Werk zeigt den Mann in kubistischer Zerlegung und reduzierter Farbpalette.	1911	Geometrische Formen, Aufbrechen der Formen und Flächen, reduzierte Farbpalette.
Glass and Bottle of Suze	Ein kubistisches Stillleben, das eine Flasche Suze und ein Glas zeigt. Das Werk zeigt das Stillleben in kubistischer Zerlegung und reduzierter Farbpalette.	1912	Kombination von Malerei und Collage-Technik, Verwendung von verschiedenen Materialien, etwa Papier, um das Bild zu strukturieren.
Mandolin and Guitar	Ein kubistisches Stillleben, das eine Mandoline und eine Gitarre zeigt. Das Werk zeigt das Stillleben in kubistischer Zerlegung und reduzierter Farbpalette.	1924	Geometrische Formen, Bruch mit der Perspektive, reduzierte Farbpalette.
Violin	Ein kubistisches Stillleben, das eine Violine und andere musikalische Instrumente zeigt. Das Werk zeigt das Stillleben in kubistischer Zerlegung und reduzierter Farbpalette.	1912	Geometrische Formen, Überlagerungen und Durchsichtigkeit, Bruch mit der Perspektive.
The Studio	Ein großes kubistisches Gemälde, das den Arbeitsplatz von Picasso zeigt. Das Werk zeigt das Studio in kubistischer Zerlegung und reduzierter Farbpalette.	1927 bis 1928	Geometrische Formen, Überlagerungen und Durchsichtigkeit, reduzierte Farbpalette.

*Diese Liste ist nicht vollständig, ermöglicht aber einen Einblick in die Vielfalt von Picassos kubistischen Werken. Es gibt viele weitere Gemälde, Zeichnungen und Collagen in seinem kubistischen Œuvre. Eine vollständige Liste aller kubistischen Werke von Picasso würde diesen Beitrag viel zu umfangreich machen.

Picasso Portrait Kubismus

• Picassos kubistische Porträts, auch bekannt als analytischer Kubismus, zeichnen sich durch die Zerlegung der Form des Porträtierten in geometrische Formen aus. Diese Technik führte dazu, dass die Porträts stark abstrahiert und oft schwer erkennbar sind.
• Sie zeigten oft mehrere Perspektiven gleichzeitig und brachen mit der traditionellen Idee eines Porträts als naturgetreues Abbild des Porträtierten.
• Picassos Portrait Kubismus aus den Jahren 1909 bis 1912 zeigen eine Tendenz zur Reduktion von Farben und Materialien. Später, ab 1913, entwickelte der Künstler den synthetischen Kubismus, der durch die Verwendung von Collage-Techniken und die Einführung von Materialien wie Papier und Stoff gekennzeichnet war.
• Einige der bekanntesten kubistischen Porträts von Picasso sind „Girl with a Mandolin“ (1910), „Portrait of Ambroise Vollard“ (1910) und „Ma Jolie“ (1911 bis 1912).

Analytischer Kubismus Picasso

Der analytische Kubismus scheint die Wirklichkeit durch ein paradoxes kristallines Prisma zu betrachten, denn er zerlegt das Licht nicht, sondern absorbiert es, wodurch sich die Form in einer Vielzahl von Brüchen bricht.

Der analytische Kubismus war eine Phase in der Entwicklung des Kubismus und dauerte von etwa 1907 bis 1912. In dieser Periode zerlegten Picasso und sein Freund Georges Braque das Motiv in kleinere geometrische Elemente und reduzierten die Farbpalette auf Grau, Braun und Schwarz.

Im analytischen Kubismus wurde das Ziel verfolgt, eine neue, tiefere Art der Realität darzustellen, die jenseits der reinen Wahrnehmung liegt. Durch das Zerlegen und die Abstraktion von Formen und Farben wollten die Künstler die wesentlichen Eigenschaften eines Objekts darstellen, anstatt nur seine äußere Erscheinung abzubilden.

Das Motiv wird in verschiedenen Blickwinkeln und aus verschiedenen Perspektiven gezeigt, wodurch das Bild in seiner Gesamtheit erfasst wird. Es rückte das Konzept der „Simultaneität“ in den Mittelpunkt. Dies bedeutet, dass mehrere Aspekte eines Objekts gleichzeitig dargestellt werden können, indem sie gleichzeitig betrachtet werden. Dadurch entstand ein Gefühl von Tiefe und Dimensionalität, das über die traditionelle zweidimensionale Darstellung von Objekten hinausging.

Der analytische Kubismus von Picasso hatte einen großen Einfluss auf viele Künstler. Seine abstrakten Porträts und Stillleben veränderten das Verständnis von Kunst und beeinflussten die Entwicklungen der abstrakten Kunst und des Expressionismus.

Picasso synthetischer Kubismus

Der synthetische Kubismus ist eine Phase in der Entwicklung des Kubismus, die auf den Analytischen folgte. Diese Phase begann um 1912 und dauerte bis etwa 1914. Während dieser Periode begann Picasso, Collage-Techniken in seine Arbeit zu integrieren und führte neue Materialien wie Papier und Stoff in seine Kunstwerke ein.

Im synthetischen Kubismus konzentrierte sich Picasso auf die Idee der „Synthese“, die die Verbindung von verschiedenen Materialien und Perspektiven zu einem harmonischen Ganzen beschrieb. Er begann, Elemente von Realität und Abstraktion in seinen Werken zu kombinieren und schuf so komplexe, mehrschichtige Kunstwerke.

Im Gegensatz zum Analytischen Kubismus, der auf reduzierte Farben und Formen setzte, war der synthetische Kubismus farbenfroher und vielschichtiger. Picasso und andere Kubisten experimentierten mit der Kombination von Farben und Texturen, um neue visuelle Effekte zu erzielen.

Picassos kubistische Porträts aus dem synthetischen Kubismus zeigten oft mehrere Perspektiven und Brüche mit der konventionellen Darstellung von Raum und Form. Sie integrierten zudem Collage-Elemente, etwa Zeitungs- oder Tapetenstücke, um zusätzliche Texturen und Muster hinzuzufügen.

Picasso orphischer Kubismus

Der orphische Kubismus ist eine Erweiterung des synthetischen Kubismus und wurde von Picasso und dem französischen Künstler Robert Delaunay um 1912 entwickelt. Der orphische Kubismus wurde auch als “Orphismus” oder “Orphische Malerei” bezeichnet und zeichnete sich durch den Einsatz von kräftigen Farben und geometrischen Formen aus, um eine Art von visueller Musikalität zu schaffen.

Im Orphismus versuchten Picasso und Delaunay, die Erfahrung von Licht und Farbe in ihren Werken zu erfassen. Sie nutzten die Geometrie, um die Wahrnehmung von Raum und Form durch Farbe und Licht zu ergänzen. Die Verwendung von leuchtenden Farben und kontrastierenden Tönen wurde als Mittel zur Schaffung von Bewegung und Rhythmus in der Kunst eingesetzt.

Beide Künstler wurden von der Musik des Komponisten Christoph Willibald Gluck und der lyrischen Dichtung des griechischen Mythos Orpheus inspiriert. Der orphische Kubismus sollte das visuelle Äquivalent zu diesen inspirierenden Quellen sein.

Einige der bekanntesten Werke von Picasso im orphischen Kubismus sind „Mandolin and Clarinet“ (1913) und „Woman with a Guitar“ (1913).

Obwohl diese Bewegung kurzlebig war, hatte sie einen starken Einfluss auf die spätere Kunstgeschichte!

Picasso Kubismus Werke

Picasso Kubismus Geige

Picasso hat oft Musikinstrumente wie Geigen in seinen kubistischen Gemälden verwendet, um komplexe räumliche und zeitliche Beziehungen auszudrücken und traditionelle Vorstellungen von Form und Perspektive infrage zu stellen.

Ein Beispiel für ein kubistisches Gemälde von Picasso mit einer Geige ist aus dem Jahr 1924.

Bedeutung von Musik in Picassos Kunst: Picasso war sehr interessiert an Musik und benutzte oft musikalische Themen in seinen Kunstwerken. Er war auch mit vielen Musikerinnen und Musikern seiner Zeit befreundet, darunter Igor Stravinsky und Erik Satie.

Picasso Stillleben Kubismus

Picassos Stillleben im Kubismus waren von zentraler Bedeutung für seine kubistischen Entwicklungen. In seinen Stillleben zerlegte er oft Gegenstände in geometrische Formen und reduzierte sie auf ihre wesentlichen Merkmale.

Einige seiner bekanntesten Stillleben im Kubismus, wie bereits oben mit angeführt, sind „Bottle of Pernod and Glass“ (1912) und „Still Life with Chair Caning“ (1912). In „Still Life with Chair Caning“ verwendete Picasso zum Beispiel erstmals eine Collage-Technik, um das Bild einer gewebten Stuhlsitzfläche in das Gemälde zu integrieren.

Picasso Kubismus Collage

Picasso war ein Pionier in der Verwendung von Collage-Techniken im Kubismus und integrierte sie in seine Arbeit ab dem synthetischen Kubismus um 1912. Er verwendete Collage-Elemente wie Zeitungsausschnitte, Stoffstücke und Tapeten, um zusätzliche Texturen und Muster in seine Kunstwerke zu integrieren. 

Mit diesem wichtigen Teil seiner eigenen künstlerischen Entwicklung konnte er neue Formen der Abstraktion und Darstellung erforschen.

Einige seiner bekanntesten kubistischen Collagen sind „Still Life with Chair Caning“ (1912), „Guitar“ (1912) und „Glass and Bottle of Suze“ (1912). In diesen Werken verwendete er die Collage-Technik, um reale Gegenstände in seine Kunstwerke zu integrieren und neue visuelle Effekte zu erzielen.

Picasso Gesichter Kubismus

Picassos Gesichter im Kubismus waren oft sehr abstrakt, um verschiedene Perspektiven und Aspekte der Person darzustellen. Er zerlegte Gesichter in geometrische Formen und reduzierte sie auf ihre wesentlichen Merkmale wie Augen, Nase und Mund. Dabei wurde die konventionelle Darstellung durch die Darstellung von verschiedenen Blickwinkeln und Perspektiven herausgefordert. Picasso nutzte dazu Farbe und Schattierung, um die verschiedenen Elemente des Gesichts zu betonen und zu kontrastieren.

In seinen Werken „Les Demoiselles d’Avignon“ (1907), „Portrait of Ambroise Vollard“ (1910) und „Ma Jolie“ (1911 bis 1912) ist dies besonders gut zu sehen.

In diesen Werken experimentierte er mit verschiedenen Techniken und Stilen, um einzigartige und abstrakte Gesichter zu schaffen, die die traditionelle Darstellung von Gesichtern herausforderten und eine neue Ästhetik in der Kunst hervorbrachten.

Picasso Kubismus Plastik

Picassos Kubismus Plastiken sind eine Erweiterung seiner kubistischen Malerei und ein wichtiger Teil seiner künstlerischen Entwicklung. Ab 1909 begann Picasso damit, Skulpturen zu schaffen, die die gleichen kubistischen Merkmale wie seine Gemälde aufwiesen. 

Er zerlegte die Formen der Skulptur in geometrische Formen und reduzierte auch sie auf ihre wesentlichen Merkmale. Und er experimentierte mit der Verwendung von unkonventionellen Materialien wie Draht, Stoff und Metall, um seinen Skulpturen eine neue Dimension zu verleihen.

Einige seiner bekanntesten Kubismus-Plastiken sind „Gitarre“ (1912), „Kopf einer Frau“ (1909 bis 1910) und „Stehende Figur“ (1910). In diesen Werken verwendet Picasso kubistische Techniken wie Zerlegung und Abstraktion, um die traditionelle Vorstellung von Skulpturen zu herauszufordern. Er schuf skulpturale Darstellungen, die mehrere Perspektiven und Blickwinkel kombinierten, um eine neue Ästhetik in der Kunst hervorzurufen.

Zitate Picasso Kubismus

„Kunst ist keine Handlung, sondern ein Weg des Seins.“

Dieses Zitat von Picasso zeigt seine Sichtweise auf die Kunst als einen integralen Teil seines Lebens, der nicht nur durch Handlung, sondern durch seine Persönlichkeit und seinen Geist zum Ausdruck gebracht wird.

„Wenn ich wüsste, was Kunst ist, würde ich es für mich behalten.“

Dieses Zitat von Picasso zeigt seine Ablehnung der Idee, dass Kunst durch Regeln oder Definitionen definiert werden kann. Stattdessen glaubte er, dass Kunst ein individueller Ausdruck und ein Mysterium ist, das nicht vollständig erfasst oder verstanden werden kann.

„Kunst ist eine Lüge, die uns die Wahrheit erkennen lässt.“ 

Mit diesem Zitat wollte Picasso ausdrücken, dass Kunst zwar nicht unbedingt die tatsächliche Realität widerspiegelt, aber dennoch eine tiefergehende Wahrheit und Bedeutung offenbaren kann.

„Kubismus ist keine Kunst, sondern eine Denkweise.“ 

Mit diesem Zitat wollte Picasso ausdrücken, dass Kubismus nicht nur eine Kunstform ist, sondern auch eine Philosophie, die die Welt auf neue Weise betrachtet und reflektiert.

Kubistische Kunst bei ART AFFAIR

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Kubismus Pablo Picasso – Das ART AFFAIR Fazit

Der Kubismus von Pablo Picasso war eine revolutionäre Kunstbewegung des 20. Jahrhunderts, die die konventionelle Darstellung von Form und Perspektive kritisch hinterfragte.

Picasso entwickelte seinen eigenen kubistischen Stil, der sich in verschiedene Phasen unterteilen lässt – den analytischen Kubismus, den synthetischen Kubismus und den orphischen Kubismus. In all diesen Phasen experimentierte er mit Zerlegung, Abstraktion und Reduktion von Formen und Perspektiven, um komplexe und abstrakte Kunstwerke zu schaffen.

Picassos kubistische Werke umfassten eine Vielzahl von Themen, darunter Porträts, Stillleben, Landschaften und Plastiken. Er nutzte auch Collage-Techniken und unkonventionelle Materialien, um seinen künstlerischen Ausdruck zu erweitern.

In seinen kubistischen Werken brachte Picasso eine neue Ästhetik und eine neue Sichtweise auf die Kunst zum Ausdruck, die die Grenzen der konventionellen Kunstpraxis erweiterte und die Entwicklung der modernen Kunstgeschichte beeinflusste. Sein Einfluss auf die Kunstwelt ist bis heute spürbar, und seine Werke sind nach wie vor von großer Bedeutung für die Kunstwelt.

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Einige Betrachter empfinden die kubistischen Darstellungen als verstörend und verwirrend, da sie traditionelle Vorstellungen von Form, Perspektive und Realismus aufbrechen. Andere betrachten Picassos kubistische Werke als eine faszinierende und herausfordernde Erfahrung, die neue Wege der Darstellung und des Ausdrucks eröffnet.

Einige bewundern die kubistischen Werke von Picasso wegen ihrer technischen Komplexität und der Vielschichtigkeit ihrer Bedeutungen und Konnotationen. Andere schätzen die kubistischen Werke von Picasso wegen ihrer Abstraktion und der Möglichkeit, neue Arten von Schönheit und Komposition in der Kunst zu entdecken.

Was empfinden Sie?

FAQ – Häufig gestellte Fragen